{"id":620,"name":"","email":"ensembles@muhka.be","language_id":1,"permalink":"marthe-wery","deleted":false,"legal_status_id":12,"url_1":"","twitter":null,"category_id":47,"date_of_birth":"1930-01-01T00:00:00.000+00:00","place_of_birth":null,"country_of_birth":null,"place_of_residence":null,"country_of_residence":null,"cached_privileges_list":"User","cached_tag_list":"painting","publishing_process_id":1,"can_log_in":false,"firstname":"Marthe","lastname":"Wéry","annotation":"","url_2":"","url_3":"","cached_name":"Marthe Wéry","date_of_death":"2005-01-01T00:00:00.000+01:00","cached_name_asc":"Wéry, Marthe","stream_count_app":52,"gender":"other","platform_admin":null,"description_ca":"","short_description_ca":"","description_it":"","short_description_it":"","hide_from_json":false,"prev_platform_id":null,"description_uk":"","short_description_uk":"","description_tr":null,"short_description_tr":null,"poster_image":"https://s3.amazonaws.com/mhka_ensembles_production/assets/public/000/036/838/large/scan-110509-0001_bew.jpg?1506088429","poster_credits":null,"media_count":1,"items_count":6,"translations":[{"locale":"en","short_description":"","description":"\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eMarthe Wéry\u003c/strong\u003e is undoubtedly one of the major Belgian artists of the second half of the 20th century. In 2001, following a retrospective at Bozar, on the occasion of the Belgian Presidency of the European Union, she took part, together with photographer Dirk Braeckman and visual artist Jan Fabre, in a project to integrate several works in the Royal Palace, Brussels. She is also featured, through important collections, in most of the Belgian museum collections (MRBA, SMAK, M HKA, MuZée) and abroad, notably at the Center Pompidou and the Musée d'Art Moderne in Paris. It is however the BPS22 Museum of Art of the Province of Hainaut that features the largest number of her works.\u003c/p\u003e\u003cp\u003eBorn in Brussels in 1930, Marthe Wéry studied painting at the Grande Chaumière in Paris and studied engraving at Atelier 17 with Stanley William Hayter, while leaning to draw by herself. After several studies, mainly in the field of drawing (landscapes, nudes, battle scenes), she made a name for herself in the Belgian art world with her geometric engravings inspired by constructivism (first solo exhibition at the Galerie Saint Laurent in Brussels). These works are characterised by the accuracy of their composition and the dynamics of the surface textures from which she exploits all their possibilities. A series of geometric paintings followed, inspired directly by her studies in engraving and which capture the essence of engraving: materiality of the medium, variations in texture and reflection of light, among others through the use of spray paints that produce finely speckled surfaces.\u003c/p\u003e\u003cp\u003eIn the early 1970s, she turned to a more minimalist form, marked by her grey compositions made of dense lines traced with a ruler; first on canvas, then on paper of various formats and textures. Their indistinct formats, with their uncertain contours, accentuate the dynamic dialectic between structure and format; their knotty textures capture light. It also ensures that each component stands alone: the medium is visible, the ink is perceptible, and the format of the medium is clearly marked. Marthe Wéry got noticed on the international scene and participated in the \u003ci\u003eFundamental Painting\u003c/i\u003e exhibition at the Stedelijk Museum in Amsterdam in 1974; then at Documenta 6 in Kassel, Germany.\u003c/p\u003e\u003cp\u003eIn 1982, her intervention at the Belgian Pavilion, on the occasion of the Venice Biennale, marked the great return of colour in her work. During this decade, she multiplied the radical experiments that break down the essential components of painting: medium, form, frame, colour. The result of these experiments was the \u003ci\u003eMontreal, Sao Paulo \u003c/i\u003eand\u003ci\u003e a/d Drecht\u003c/i\u003e series. The canvases of different sizes are like ‘dashes’ of colour, arranged on a white wall. The tension between the shape and the format takes place within the scale of the wall. The architecture of the exhibition site takes an increasingly prominent place in the final installation.\u003c/p\u003e\u003cp\u003eWhile the beginning of the 80s is marked by the return of colour, the end of this decade and the beginning of the next saw new research leading to radical series: \u003ci\u003ea/d Drecht\u003c/i\u003e are series of panels or canvases lined with bevel-cut MDF. The format of the panel is closed by a frame, some sides are left open. The depth of the blue is contradicted by the brutality of the panel. The tension between the blue coloured patch and the raw medium is further amplified a few years later in another series, shown for the first time at the Musée d’Art Moderne de la Ville in Paris, during the exhibition \u003ci\u003eL’Art en Belgique. Un point de vue\u003c/i\u003e. A panel in a neutral grey resting on one of the seven panels of raw wood. With this historical series, Marthe Wéry reaches a rare point in her questioning on the support of painting and its limits.\u003c/p\u003e\u003cp\u003eAt the beginning of the 80s, Marthe Wéry produced a series of minimalist gray paintings, crossed by flat, horizontal or vertical lines, establishing the passage of different planes. These ‘relief’ paintings emerge from flatness to structure space according to a precise rhythm that modifies the perception of surfaces coloured uniformly. A real plastic rhythm seems to modulate the planes of the painting and, by extension, the architecture that hosts it. A piece, made of two painted wooden panels, superimposed one above the other, with a slight shift, and leaning against the wall, shows the new limit that the artist attains in the decomposition of the components of the painting.\u003c/p\u003e\u003cp\u003eIn the mid 90s, Marthe Wéry developed ‘new ways’ of painting, in order to use the potentialities of the surface of the painting; a radical period is followed by a more colourful but always rigorous period, in which some older preoccupations (architecture, luminosity, etc.) were expressed differently. This is the case of the open series \u003ci\u003eCalais\u003c/i\u003e, begun in 1995 and prematurely ended at the death of the artist, made of a vast installation of MDF panels, covered with a sky blue, ranging from a dark blue grey to a very refreshing blue-white, which can be reconfigured according to the space of exposure. The ensemble is what we call today a ‘variable media’, that is to say a sort of plastic score (in the musical sense of the term) that must be reinterpreted at each presentation. Like any musical interpretation, presentation is the subject of a distinct appreciation of the work.\u003c/p\u003e\u003cp\u003eMarthe Wéry died in 2005, shortly after her last exhibition,\u003ci\u003e Les Couleurs du Monochrome, \u003c/i\u003eorganised by the BPS22, at the Museum of Fine Arts in Tournai, as part of Lille 2004, European Capital of Culture.\u003c/p\u003e"},{"locale":"nl","short_description":"","description":"\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eMarthe Wéry\u003c/strong\u003e is zonder twijfel een van de belangrijkste Belgische kunstenaars uit de tweede helft van de twintigste eeuw. Na een retrospectieve in 2001 in Bozar, werkte zij, aan de zijde van fotograaf Dirk Braeckman en beeldend kunstenaar Jan Fabre, mee aan een integratieproject van meerdere van haar werken in het Koninklijk Paleis in Brussel. Daarnaast is haar werk uitvoerig te zien in de meeste collecties van musea in België (MRBA, S.M.A.K., M HKA, Mu.ZEE) en in het buitenland, onder meer in het Centre Pompidou en het Musée d’Art Moderne van Parijs. Het is evenwel BPS22, het Museum voor Kunst van de Provincie Henegouwen dat de meeste van haar werken in bezit heeft.\u003c/p\u003e\u003cp\u003e\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003eMarthe Wéry is in 1930 geboren in Brussel en studeerde schilderkunst aan la Grande Chaumière in Parijs. Het graveren leerde ze van Stanley William Hayter, in Atelier 17, maar de tekenkunst beoefende ze geheel als autodidact. Na enkele studies, voornamelijk in de tekenkunst (landschappen, naaktschetsen, oorlogstaferelen), maakt ze binnen de Belgische kunstwereld vooral indruk met haar geometrische etsen, geïnspireerd op het constructivisme (eerste solotentoonstelling in de Galerie Saint Laurent in Brussel). Deze werken vallen op door de juistheid van de compositie en de dynamiek van de oppervlaktetextuur waarvan zij alle mogelijkheden verkent. Daarna volgt een reeks geometrische doeken die het rechtstreekse resultaat zijn van haar studies van de graveerkunst en die de essentie ervan samenvatten: materialiteit van de drager en variaties in textuur en in lichtweerkaatsing, onder meer door het gebruik van spuitbussen die fijn gespikkelde vlakken voortbrengen.\u003c/p\u003e\u003cp\u003e\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003eBegin jaren zeventig richt ze zich op een meer minimalistische vormgeving, gekenmerkt door grijze composities van dikke lijnen die met de regel zijn getrokken; in eerste instantie op doek, vervolgens op papier van allerhande afmetingen en textuur. De onduidelijke formaten en contouren benadrukken de dynamiek tussen structuur en formaat; de knoestige texturen vangen het licht op. Ze zorgt er bovendien voor dat elk onderdeel zichtbaar wordt: de drager is zichtbaar, de inkt ook, het formaat van de drager komt duidelijk tevoorschijn. De internationale kunstwereld pikt in deze periode het werk van Wéry op, wat resulteert in haar deelname aan de tentoonstelling Fundamental Painting in het Stedelijk Museum van Amsterdam in 1974, gevolgd door Documenta 6, in het Duitse Kassel.\u003c/p\u003e\u003cp\u003eIn 1982 stelt Marthe Wéry tentoon in het Belgisch Paviljoen ter gelegenheid van de Biënnale van Venetië. Met dit evenement keert ook de kleur terug in haar werk. De daarop volgende jaren staan in het teken van radicaal experimenteren met alle onderdelen van het doek: drager, vorm, lijst, kleur. In deze periode komen de reeksen \u003ci\u003eMontréal\u003c/i\u003e, \u003ci\u003eSao Paulo\u003c/i\u003e en \u003ci\u003ea/d Drecht\u003c/i\u003e tot stand. De doeken, van verschillende formaten, zijn als het ware kleurtoetsen die op een witte muur worden geschikt. De spanning tussen vorm en formaat wordt deze keer op schaal van de muur verplaatst. De architectuur van de tentoonstellingsruimte speelt een steeds meer uitgesproken rol in de uiteindelijke opstelling.\u003c/p\u003e\u003cp\u003e\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003eHet begin van de jaren tachtig luidt de terugkeer van de kleur in, terwijl het einde van het decennium en het begin van het volgende een tijd is van nieuwe experimenten die uitmonden in radicale reeksen: \u003ci\u003ea/d Drecht\u003c/i\u003e zijn reeksen panelen of doeken omkaderd met schuin afgewerkte randen in mdf. Het formaat van het paneel wordt afgesloten door een kader, waarvan de kunstenares bepaalde randen openlaat. De diepblauwe kleur staat in contrast met de ruwheid van het paneel. De spanning tussen het blauwe volvlak en de ruwe drager wordt enkele jaren later nog verhevigd in een radicale reeks, die in 1991 voor het eerst te zien is in het Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, tijdens de tentoonstelling \u003ci\u003eL’Art en Belgique\u003c/i\u003e. \u003ci\u003eUn point de vue\u003c/i\u003e. Een paneel in neutraal grijs rust op een van de zeven ruwhouten panelen. Met deze historische reeks bereikt Marthe Wéry een uitzonderlijk punt in haar zoektocht rond de drager van de verf en zijn grenzen.\u003c/p\u003e\u003cp\u003e\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003eBegin jaren tachtig maakt Marthe Wéry een reeks schilderijen in minimalistisch grijs, doorkruist met vlakke, horizontale of verticale lijnen, die een overgang van verschillende niveaus vormen. In deze schilderijen met ‘reliëf’ doet de kunstenares afstand van de vlakheid om de ruimte structuur te geven volgens een precies ritme, waardoor de perceptie van de kleur wordt gewijzigd. Een ware plastische ritmiek lijkt de niveaus van het schilderij en bijgevolg ook de omringende architectuur te nuanceren. Met een van die werken, gemaakt van twee deels op elkaar gestapelde panelen van geschilderd hout, die tegen een muur worden geplaatst, bereikt de kunstenares een nieuwe grens in de ontleding van de componenten van een schilderij.\u003c/p\u003e\u003cp\u003e\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003eMidden jaren negentig ontwikkelt Marthe Wéry “nieuwe manieren” om te schilderen om de mogelijkheden van het doekoppervlak optimaal te benutten; een periode van radicaliteit gaat over in een meer kleurrijke, zij het nog altijd rigoureuze fase waarin bepaalde thema’s die op de achtergrond waren verdwenen, terug opduiken (architectuur, licht, enz.). Hiervan getuigt de reeks \u003ci\u003eCalais\u003c/i\u003e, begonnen in 1995 en stopgezet met het overlijden van de kunstenares. Het betreft een grote installatie van mdf-panelen, in een lichtblauwe kleur die van donker blauwgrijs overgaat naar een heel fris lichtblauw. Het geheel is wat we vandaag een “variabel medium” noemen, i.e. een soort plastische partituur (in de muzikale betekenis van de term), die bij elke voorstelling opnieuw moet worden vertolkt. Net als bij een vertolking van een muziekstuk, wordt de voorstelling van het werk telkens weer op een andere manier onthaald.\u003c/p\u003e\u003cp\u003e\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003eMarthe Wéry overlijdt in 2005, kort na haar laatste tentoonstelling, Les Couleurs du Monochrome, georganiseerd door BPS22 in het Musée des Beaux-Arts van Doornik, in het kader van Rijsel 2004, Culturele hoofdstad van Europa.\u003c/p\u003e"},{"locale":"fr","short_description":"","description":"\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eMarthe Wéry\u003c/strong\u003e figure assurément parmi les artistes belges les plus importants de la seconde moitié du XXe siècle. En 2001, suite à une rétrospective à Bozar, à l’occasion de la Présidence belge de l’Union Européenne, elle a participé, aux côtés du photographe Dirk Braeckman et du plasticien Jan Fabre, à un projet d’intégration de plusieurs œuvres au Palais Royal, à Bruxelles. Elle est également présente, via des ensembles importants, dans la plupart des collections des musées belges (MRBA, S.M.A.K, M hka, MuZée) et, à l’étranger, notamment dans celles du Centre Pompidou et du Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris. C’est toutefois au BPS22 Musée d’art de la Province de Hainaut qu’est rassemblé le plus grand nombre de ses œuvres.\u003c/p\u003e\u003cp\u003eNée à Bruxelles en 1930, Marthe Wéry a étudié en élève libre la peinture à la Grande Chaumière, à Paris, et a appris la gravure à l’Atelier 17 avec Stanley William Hayter, tout en pratiquant le dessin en autodidacte. Après quelques recherches, notamment dans le domaine du dessin (paysages, nus, scènes de bataille), elle s’impose sur la scène belge avec ses gravures géométriques, inspirées du constructivisme (première exposition personnelle à la galerie Saint Laurent, à Bruxelles). Ces travaux se caractérisent par la justesse de leur composition et la dynamique des textures de surface dont elle exploite toutes les possibilités. S’ensuit une série de tableaux géométriques, directement inspirés de ses recherches en gravure, qui condensent les enjeux de ses gravures\u0026nbsp;: matérialité du support, variations de texture et réflexion de la lumière, notamment par l’utilisation de bombes en spray qui produisent des aplats finement mouchetés.\u003c/p\u003e\u003cp\u003eAu début des années 70, elle se tourne vers une forme de minimalisme, marqué par ses compositions grises faites de lignes denses tracées à la règle\u0026nbsp;; d’abord sur toile, ensuite sur papier de formats et de textures divers. Leurs formats indistincts, aux contours incertains, accentuent la dialectique dynamique mise en place entre structure et format\u0026nbsp;; leurs textures noueuses accrochent la lumière. Elle veille en outre à ce que chaque composante apparaisse pour elle-même\u0026nbsp;: le support est visible, l’encre est perceptible, le format du support se marque nettement. Marthe Wéry est alors remarquée sur la scène internationale et participe à l’exposition Fundamental Painting, au Stedelijk Museum, à Amsterdam, en 1974\u0026nbsp;; puis à la Documenta 6, à Cassel, en Allemagne. \u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003eEn 1982, son intervention dans le pavillon belge, à l’occasion de la Biennale de Venise, marque le grand retour de la couleur dans son œuvre. Elle poursuit la décennie en multipliant les expérimentations radicales qui décomposent les composantes essentielles du tableau\u0026nbsp;: support, forme, cadre, couleur. Ce sont les séries \u003ci\u003eMontréal\u003c/i\u003e, \u003ci\u003eSao Paulo\u003c/i\u003e ou \u003ci\u003ea/d Drecht\u003c/i\u003e. Les toiles de différents formats sont autant des «\u0026nbsp;touches\u0026nbsp;» de couleur, agencées sur le mur blanc. La tension entre la forme et le format se déplace cette fois à l’échelle du mur. L’architecture du lieu d’exposition prend une place de plus en plus affirmée dans le dispositif final.\u003c/p\u003e\u003cp\u003eSi le début des années 80 est marqué par le retour de la couleur, la fin de cette décennie et le début de la suivante voient de nouvelles recherches qui aboutissent à des séries radicales\u0026nbsp;: \u003ci\u003ea/d Drecht\u003c/i\u003e sont des séries de panneaux ou toiles bordées de MDF taillés en biseau. Le format du panneau est fermé par un cadre, dont certains côtés sont laissés ouverts. La profondeur du bleu est contredite par la brutalité du panneau. La tension entre l’aplat coloré bleu et le support brut est encore amplifiée, quelques années plus tard, dans une autre série, montrée pour la première fois au Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, lors de l’exposition \u003ci\u003eL’Art en Belgique. Un point de vue\u0026nbsp;\u003c/i\u003e: Un panneau coloré d’un gris neutre repose sur l’un des 7 panneaux de bois brut. Avec cette série historique, Marthe Wéry atteint un point rare dans son questionnement sur le support de la peinture et ses limites.\u003c/p\u003e\u003cp\u003eAu début des années 80, Marthe Wéry produit une série de tableaux d’un gris minimaliste, traversés de lignes méplates, horizontales ou verticales, établissant le passage de différents plans. Ces tableaux «\u0026nbsp;en relief\u0026nbsp;» sortent de la planéité pour structurer l’espace selon un rythme précis qui modifie la perception de surfaces colorées uniformément. Une véritable rythmique plastique semble moduler les plans du tableau et, par extension, l’architecture qui l’accueille. Une pièce, faite de deux panneaux de bois peints et superposés l’un\u0026nbsp;sur l’autre, avec un léger décalage, et appuyés contre le mur, manifeste ce nouveau point limite que l’artiste atteint dans la décomposition des composantes du tableau.\u003c/p\u003e\u003cp\u003eAu milieu des années 90, Marthe Wéry développe de \"nouvelles manières\" de peindre, afin d’exploiter les potentialités de la surface du tableau\u0026nbsp;; à une période radicale succède ainsi une période plus colorée, mais toujours rigoureuse, où s’expriment différemment certaines préoccupations plus anciennes (architecture, luminosité, etc.). C’est le cas de la série ouverte \u003ci\u003eCalais\u003c/i\u003e, commencée en 1995 et arrêtée au décès de l’artiste, faite d’une vaste installation de panneaux de MDF, couverts d’un bleu ciel, allant d’un bleu-gris sombre à un bleu-blanc d’une grande fraîcheur, qu’il est possible de reconfigurer en fonction de l’espace d’exposition. L’ensemble est ce que l’on appelle aujourd’hui un «\u0026nbsp;media variable\u0026nbsp;», c’est-à-dire une sorte de partition plastique (au sens musical du terme) qui doit être réinterprétée à chaque présentation. Comme toute interprétation musicale, la présentation fait l’objet d’une appréciation distincte de l’œuvre.\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003eMarthe Wéry décède en 2005, peu après sa dernière exposition, Les Couleurs du Monochrome, organisée par le BPS22, au Musée des Beaux-Arts de Tournai, dans le cadre de Lille 2004, Capitale européenne de la Culture.\u003c/p\u003e"},{"locale":"ru","short_description":"","description":""},{"locale":"de","short_description":"","description":"\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eMarthe Wéry\u003c/strong\u003e (1930-2005) gehört sicher zu den wichtigsten belgischen Künstlern der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. 2001 hat sie infolge einer Retrospektive im Bozar anlässlich der belgischen Ratspräsidentschaft der Europäischen Union zusammen mit dem Fotografen Dirk Braeckman und dem Bildhauer Jan Fabre an einem Integrationsprojekt mehrerer Werke im Königlichen Palast von Brüssel mitgewirkt.\u003c/p\u003e\u003cp\u003eSie ist ebenfalls über bedeutende Ensembles in den meisten Kollektionen der belgischen Museen anwesend (MRBA, S.M.A.K, M hka, MuZée) und im Ausland unter anderem in den Kollektionen des Centre Pompidou und dem Museum der Modernen Kunst der Stadt Paris. Es ist jedoch im BPS22 Kunstmuseum der Provinz Hennegau, wo die meisten ihrer Werker zu sehen sind.\u003c/p\u003e\u003cp\u003eDie im Jahr 1930 in Brüssel geborene Marthe Wéry hat als freie Studentin in Malerei an der Grande Chaumière in Paris studiert und Kupferstich im Atelier 17 mit Stanley William Hayter gelernt, und gleichzeitig als Autodidakt gezeichnet. Nach einigen Forschungen unter anderem im Bereich der Zeichnung (Landschaften, Aktbilder, Schlachtszenen) fasst sie in der belgischen Szene Fuß mit ihren geometrischen Stichen, die vom Konstruktivismus inspiriert sind (erste persönliche Ausstellung in der Galerie Saint Laurent in Brüssel). Diese Arbeiten zeichnen sich durch die Korrektheit ihrer Komposition und die Dynamik der Flächentextur aus, von der sie alle Möglichkeiten erschöpft. Es folgen einige geometrischer Gemälde, die direkt von ihren Forschungen in den Kupferstichen beeinflusst waren und in denen die Herausforderungen dieser Technik zusammengefasst waren\u0026nbsp;: materieller Träger, Variationen in der Textur und Spieglung vom Licht, unter anderem durch die Nutzung von Spraybomben, die leichte fleckige Flächen entstehen lassen.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eZu Beginn der 70er Jahre nimmt sie eine Form des Minimalismus an, der von grauen Kompositionen mit dichten Linealstrichen geprägt ist\u0026nbsp;; zuerst auf Leinwand, dann auf großformatigem Papier mit unterschiedlichen Texturen. Ihre undeutlichen Formate mit den unsicheren Kontouren unterstreichen die dialektische Dynamik zwischen Struktur und Format; ihre knochige Textur hält das Licht fest. Sie achtet ferner darauf, dass jedes Element selbstständig erscheint\u0026nbsp;; der Träger ist sichtbar, die Tinte wahrnehmbar, das Format des Trägers sticht deutlich hervor. Die internationale Szene wird hiermit auf Marthe Wéry aufmerksam und sie 1974 nimmt an der Ausstellung Fundamental Painting, im Stedelijk Museum in Amsterdam und dann an der Documenta 6 in Kassel, Deutschland teil.\u003c/p\u003e\u003cp\u003e1982 bedeutet ihr Eingriff im belgischen Pavillon anlässlich der Biennale von Venedig die große Rückkehr von Farbe in ihrem Werk. Sie setzt das Jahrzehnt fort, indem sie die radikalen Experimente vervielfältigt, die die wesentlichen Bestandteile des Gemäldes auseinander nehmen\u0026nbsp;: Träger, Form, Rahmen, Farbe. Es sind die Serien \u003ci\u003eMontréal\u003c/i\u003e, \u003ci\u003eSao Paulo\u003c/i\u003e oder \u003ci\u003ea/d Drecht\u003c/i\u003e. Die Bilder in unterschiedlichen Formaten sind jeweils ein «\u0026nbsp;Spritzer\u0026nbsp;» Farbe auf einer weißen Wand. Die Spannung zwischen Form und Format verschiebt sich diesmal auf die Mauer. Die Architektur des Ausstellungsortes nimmt einen entscheidenden Platz im Endergebnis ein.\u003c/p\u003e\u003cp\u003eWenn der Anfang der 80er Jahre durch die Rückkehr von Farbe gekennzeichnet ist, so \u0026nbsp;ist das Ende dieses Jahrzehnts und der Anfang des nächsten der Beginn neuer Forschungen, die zu radikalen Serien führen: \u003ci\u003ea/d Drecht\u003c/i\u003e sind Serien von Platten oder Gemälden, in denen MDF in den Rand geprägt ist. Das Format der Platte wird durch einen Rahmen geschlossen, von dem gewisse Seiten offen sind. Der Tiefe der blauen Farbe wird durch die Brutalität der Platte widersprochen. Die Spannung zwischen der Fläche in Blau und dem rohen Träger wird einige Jahre später in einer anderen Serie noch verschärft, die zum ersten Mal im Museum der Modernen Kunst in Paris bei der Ausstellung \u003ci\u003eL’Art en Belgique. Un point de vue (die Kunst in Belgien\u0026nbsp;: ein Blickwinkel) \u003c/i\u003egezeigt wird\u0026nbsp;: eine in neutralem Grau gefärbte Platte ruht auf einem der 7 rohen Holzplatten. Mit dieser historischen Serie erreicht Marthe Wéry einen seltenen Punkt in ihrer Fragestellung über die Träger der Malerei und ihre Grenzen.\u003c/p\u003e\u003cp\u003eZu Beginn der 80er Jahre schafft Marthe Wéry eine Reihe von Gemälden in einem minimalistischen Grau, das von abgeflachten horizontalen oder vertikalen Linien durchquert werden, so dass die verschiedenen Ebenen getrennt werden. Diese «\u0026nbsp;Relief-\u0026nbsp;» Gemälde verlassen die ebene Fläche, um den Raum in einem präzisen Rhythmus zu strukturieren, der die Wahrnehmung der einheitlich gefärbten Flächen verändert. Eine echte plastische Rhythmik scheint die Ebenen des Gemäldes zu verändern, und somit auch die umliegende Architektur. Ein Raum aus zwei gefärbten Holzpaneelen, die etwas versetzt aufeinanderliegen und gegen die Wand lehnen, zeigt diesen neuen Grenzpunkt, den die Künstlerin im Auseinandernehmen der Bestandteile des Gemäldes erreicht.\u003c/p\u003e\u003cp\u003eMitte der 90er Jahre entwickelt Marthe Wéry «\u0026nbsp;neue Malweisen\u0026nbsp;», um die Potentiale der Fläche des Gemäldes zu erschließen\u0026nbsp;; auf eine radikale Periode folgt eine Periode mit mehr Farbe aber immer noch sehr streng, wo verschiedene ältere Sorgen deutlich werden (Architektur, Beleuchtung usw.). Das ist der Fall der offenen Serie \u003ci\u003eCalais\u003c/i\u003e, die 1995 begonnen wurde und mit dem Tod der Künstlerin beendet wurde\u0026nbsp;: eine große Installation von MDF-Platten, die mit Himmelblau bedeckt sind, vom dunklen Blaugrau auf ein Weißblau mit einer großen Frische, die je nach Ausstellungsraum anders konfiguriert werden kann. Die Einheit, die heute als « variables Medium\u0026nbsp;» bezeichnen, d.h. eine Art plastische Partitur (im musikalischen Sinn des Wortes), die bei jeder Präsentation neu ausgelegt werden kann. Wie jede musikalische Interpretation ist die Präsentation Gegenstand einer unterschiedlichen Bewertung des Werks.\u003c/p\u003e\u003cp\u003eMarthe Wéry verstirbt im Jahr 2005 kurz nach ihrer letzten Ausstellung, Les Couleurs du Monochrome, das vom BPS22 im Museum der Schönen Künste von Tournai im Rahmen von Lille 2004, Europäische Kulturhauptstadt organisiert wurde.\u003c/p\u003e"},{"locale":"es","short_description":"","description":""},{"locale":"el","short_description":"","description":""}],"locations":[{"country":"BE","place":"Etterbeek","category":{"en":"Born in","nl":"Geboren in","fr":"Né à"}},{"country":"BE","place":"Brussels","category":{"en":"Died in","nl":"Overleden in","fr":"Décédé en"}}]}