{"id":3595,"name":"","email":"","language_id":1,"permalink":"mathieu-verhaeghe","deleted":false,"legal_status_id":null,"url_1":"https://www.mathieuverhaeghe.com/","twitter":null,"category_id":47,"date_of_birth":"1986-01-01T00:00:00.000+01:00","place_of_birth":null,"country_of_birth":null,"place_of_residence":null,"country_of_residence":null,"cached_privileges_list":"User","cached_tag_list":"","publishing_process_id":1,"can_log_in":false,"firstname":"Mathieu","lastname":"Verhaeghe","annotation":"","url_2":"","url_3":"","cached_name":"Mathieu Verhaeghe","date_of_death":null,"cached_name_asc":"Verhaeghe, Mathieu","stream_count_app":13,"gender":"male","platform_admin":null,"description_ca":"","short_description_ca":"","description_it":"","short_description_it":"","hide_from_json":false,"prev_platform_id":null,"description_uk":"","short_description_uk":"","description_tr":null,"short_description_tr":null,"poster_image":"https://s3.amazonaws.com/mhka_ensembles_production/assets/public/000/045/842/large/mathieu_%282%29.jpg?1559732374","poster_credits":"Charlie De Keersmaecker","media_count":1,"items_count":3,"translations":[{"locale":"en","short_description":"\u003cp\u003eWith a background in philosophy, Mathieu Verhaeghe’s practice sits at the tension between art, existential weight and humour.\u003c/p\u003e","description":"\u003cp\u003eBefore Mathieu Verhaeghe (1986) studied painting at the Royal Academy of Fine Arts, he earned a Master of Philosophy from the University of Antwerp.\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003e‘I initially wound up in philosophy, with the \u003ci\u003eexistentialists\u003c/i\u003e, structuralism, Sartre, Heidegger, and Foucault. I have more of a writer’s profile, but I never became one. I am also my work’s public–’ and, he remarks apologetically, ‘as an artist, I occasionally slip through the cracks leaving me not terribly well known. When I was younger, I always took art lessons. I wanted to become a cartoonist.’\u003c/p\u003e\u003cp\u003eAt the Royal Academy, he chose painting and discovered he had an aptitude and passion for classical and figurative painting. Once in the bachelor’s third year, students are expected to expand their horizons. They can contemplate what interests them, for instance, how the painter’s second brushstroke on the canvas invariably catapults them into the history of painting and how this impasse can be circumvented, beaten, or embraced.\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003e‘Yeah, that was the last year of my Royal Academy studies. Gradually, I noticed that painting like that started to feel like pulling teeth, and I really wanted out...out of the process of painting. I arrived at the Royal Academy with a fairly naive idea of what art is. And I’d picked painting because, like many, I felt powerfully drawn to classical, figurative paintings. But once you’re in an academy, you come across teachers who show you things that attempt to break that mould; you learn art history, and that also confronts you with all kinds of stuff... Obviously, painting has an incredibly rich tradition, and those who want to paint carry it on; however, that tradition can also become a kind of dead weight. I hit a point where I was no longer really sure what I wanted to do with the whole art thing.’\u003c/p\u003e\u003cp\u003e\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003eVerhaeghe noticed his work increasingly centred on himself and his struggle to paint. The glimmer of a solution came to him from behind the curtains of domestic life, the families and everyday objects that are part of it, and the images of which embed themselves somewhere inside, making a home there. After his parents’ divorce, young Verhaeghe lived with his father, who was a good deal older than the fathers of his peers. ‘He’ll kick the bucket soon’, the young Verhaeghe concluded.\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003eAt the academy, he started working on a portrait of his father, clothed only in pants and looking away from the painter (or viewer) in profile, as though the old man stood profile in the painter’s studio staring outside or at a wall. He’d just been discharged from the hospital for a hernia and had an ugly scar on his belly. The size of the painting is close to the true size. The illusion of the old man right in front of you is only marred by him either having been shrunk by the painter or being placed further into the room. This game of distance versus proximity, accessibility versus inaccessibility, reveals a painter who has meticulously studied the classical painting of, say, Vermeer and carefully poured himself and his current passions into the details without breaking the secrecy shrouding the canvas. Ultimately, you’re sucked into an illusion where the old man in the portrait actually comes to life before your eyes, naked but for his pants, and you can hear what he’s thinking when really those thoughts are your own. Verhaeghe took a picture of himself in his pants in the same pose and admitted he was mainly looking for an experience.\u003c/p\u003e\u003cp\u003e\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003eIts translation into portraiture and oil painting revealed the medium’s ability to portray decay and mortality.\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003e‘I painted another dead rabbit after that’, he notes with deadpan face. ‘The intensity that went into that portrait was gone. ‘I started painting without that undercurrent of feeling. My work also increasingly centred on me and my painting struggles’, says Verhaeghe while showing me his\u0026nbsp; \u003ci\u003eAfstand/Timing/Precisie\u003c/i\u003e (2015)\u0026nbsp; piece: baby blue pyjamas made of Nicky velours (reminiscent of the terry clothé\u0026nbsp;shorts worn by children in the 1970s and 1980s), with three flags in primary colours on the chest, and a painted urine stain on the crotch of the trousers. Hung from a hangar, the pyjamas recall a childhood both happy-go-lucky \u003ci\u003eand\u003c/i\u003e dysfunctionally (bed-wetting) terrifying. ‘Nirvana’s \u003ci\u003eSmells like teen spirit\u003c/i\u003e mostly makes me think of the chorus line “Here we are now, entertain us”, but that could just be my fondness for wetting the bed.’\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003eVerhaeghe distanced himself from painting, only keeping one hand in the game. He began a series of works abstracted and disconnected from the biographical, which continued to build on the analogy between paint and skin, ageing, intimacy, the drying process of paint, crackling, and still life as a physical sculpture, which can embody humour and melancholy simultaneously.\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003eInitially a middle finger to painting, Verhaeghe’s paint sausage sculptures acquired a life of their own as a series and were included in MHKA’s \u003ci\u003eAmberes\u003c/i\u003e – Roberto Bolãnois Antwerp (2019) group exhibition. Later, they were acquired as part of the city collection (Sausage Series Installation). After the first pieces, Verhaeghe continued pumping pig intestines full of paint, first acrylics followed by oils, which would leak out of the sausage after two to three months of drying. The drying process and final result were unpredictable, something he couldn’t control; the sausages curved over, wrinkled, and serendipitously aligned with some of the artist’s themes, who –according to him – ‘somehow just kept making paint sausages’.\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003e‘I said to myself some six months ago that it was time for the sausages to stop, but now I’ve got to keep shoving them down my gullet.’\u003c/p\u003e\u003cp\u003eIt began with a childhood memory, his father slicing a dry sausage on a cutting board at his sister’s place in Spain. But while he was going for something more intimate, something smaller, believing that he’d hit on something analogous to human desiccation, the paint sausage sculptures took on a life of their own, bridging the gap between the adjectives, repulsive, grotesque, pathetically authentic, resentful, foolish and, for some, even sexual and macho. All that sprang from a simple memory: the smell and image of a dry sausage, reliving the experience of Spain.\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003e‘For the Rubens Castle exhibition, I had a more spatial approach. I arranged them on drying racks, like the ones I saw on the Ostend dyke. They also had those wooden racks there, or like the smoked sausages you see at the butcher’s.’\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003e\u003ci\u003eRack III Rubens Red\u003c/i\u003e is a drying rack full of red paint sausages, alluding to the serial production of the baroque master’s studio. Rubens’ prolific works relied on the aid of a battery of assistants. The theme of mortality infiltrates the work anew through his use of red pigment – vermilion. Over time, the pigment oxidises and turns black (with white splotches); experts fail to halt this process of mortality, only succeeding at slowing it down. And there seems to be a direct link with Pop Art, given Verhaeghe’s own words: ‘I’m caught in an anachronism. Now, there’s a tree full of convenient, bite-size paintings to hang over the sofa. My art is exactly what a 1960s artist would produce...That kind of art is over, but it’s not hard to plug back into.’, he adds. ‘But before long, it starts to feel hollow, and that makes me feel rotten. Do I have to whore myself out? It really is up to me.’\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003eEven though his studio kind of resembles a tiny sausage factory, those sausages have given him back the will to paint. They’re used as colour keys, cartoonish objects or jamming devices in his spatial work, where the boyhood dream of becoming a cartoonist is palpable. That multimedia element was also present in earlier installations and collages, e.g. \u003ci\u003eFeestvarken II\u003c/i\u003e (at the table), where a ham hangs drying from a long party pennant, or \u003ci\u003eSisyphus\u003c/i\u003e (2015), a canvas Verhaeghe ropes to himself during a masterclass at an old industrial site, dragging it around with him for a week. ‘Painting can be a drag’, was the motto back then. The point was to make something more real than a painting. This seems like a pretty taxing, ambitious chore for an artwork to achieve, but in the trying, humour turns out to be the solution. For example, the 3D still life installation is doing its level best to be more real than the painting.\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003eDuring a residency at the Frans Masereel Centrum, he printed cotton sausages on landscape prints from old encyclopaedias; there, the different (escape) routes, media, and approaches seem to converge.\u0026nbsp;\u003c/p\u003e"},{"locale":"nl","short_description":"\u003cp\u003eDe praktijk van Mathieu Verhaeghe, die een achtergrond heeft in filosofie, situeert zich in het spanningsveld tussen kunst, existentieel gewicht en humor\u003c/p\u003e","description":"\u003cp\u003eVooraleer Mathieu Verhaeghe (1986) aan de Koninklijke Academie voor Schone Kunsten schilderkunst volgde, studeerde hij filosofie aan de Universiteit van Antwerpen. \u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003e“Ik ben eerst in de filosofie beland, bij de \u003ci\u003eexistentiëlen\u003c/i\u003e, het structuralisme, Sartre, Heidegger en Foucault. Ik heb meer het profiel van een schrijver maar ik ben dat nooit geworden. Ik ben ook een toeschouwer van mijn werk, en ik ben”, excuseert hij zich, “als kunstenaar soms door de mazen van het net geslipt waardoor ik niet heel bekend ben. Als kind ben ik altijd naar de tekenacademie geweest. Ik wilde striptekenaar worden.”\u003c/p\u003e\u003cp\u003eOp de academie koos hij voor schilderkunst en ontdekte bij zichzelf een aanleg en toewijding voor klassiek en figuratief schilderen. Vanaf het derde bachelor wordt er van de studenten vrijer werk verondersteld, kunnen ze nadenken over wat ze willen, bijvoorbeeld over hoe schilders na de tweede verfstreep op het canvas onvermijdelijk ergens in de geschiedenis van de schilderkunst belanden en hoe ze die impasse kunnen omzeilen, verbreken of omarmen.\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003e“Ja, dat was in het laatste jaar van mijn opleiding aan de academie. Ik merkte gaandeweg dat die schilderkunst voor mij moeilijk begon te worden en dat ik daar heel sterk uit wou, uit het proces van het schilderen... Ik ben naar de academie gegaan met een vrij naïef beeld van wat kunst is. En ik heb voor schilderkunst gekozen omdat ik me, zoals velen, sterk aangetrokken voelde tot klassieke, figuratieve schilderijen. Op een academie ontmoet je dan leerkrachten die je dingen laten zien die uit dat kader proberen springen, je krijgt kunstgeschiedenis en daarin kom je ook van alles tegen... Schilderkunst heeft natuurlijk een heel rijke traditie en die draag je wel mee als je zelf wil schilderen, maar dat kan ook wel een soort ballast worden. Er brak een periode aan dat ik niet meer goed wist wat ik wilde doen met heel die schilderkunst.”\u003c/p\u003e\u003cp\u003e\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003eVerhaeghe merkte dat zijn werk steeds meer over zichzelf en zijn gevecht met schilderen ging. Hij vond het begin van een antwoord binnen de muren van de huiselijke sfeer, de gezinssituatie en de alledaagse objecten die er deel van uitmaken en waarvan de beelden zich ergens binnenin vastzetten omdat ze daar een plek vonden. Na de scheiding van zijn ouders was hij als kind bij zijn vader blijven wonen die een pak ouder was dan de vaders van leeftijdgenootjes. “Die gaat vroeg sterven”, concludeerde de jonge Verhaeghe.\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003eOp de academie begon hij aan portret van zijn vader die in zijn onderbroek, in profiel wegkijkt van de schilder/toeschouwer, alsof de oude man in profiel in het schildersatelier staat en naar buiten of op een muur staart. Hij is net uit het ziekenhuis ontslagen voor een maagbreuk en heeft een lelijk litteken op zijn buik. De grootte van het schilderij benadert de ware grootte. De illusie van de oude man die voor je neus staat, wordt enkel doorbroken doordat hij ofwel door de schilder ingekrompen werd, ofwel dat hij zich dieper in de ruimte bevindt. Dit spel met verte en nabijheid, bereikbaarheid en onbereikbaarheid toont een schilder die de klassieke schilderkunst van pakweg een Vermeer nauwgezet bestudeerde en zichzelf en wat hem drijft op dat moment afgewogen in de details legt, zonder het geheim dat over het doek hangt te doorbreken, zodat je de illusie krijgt dat de geportretteerde oude man ook werkelijk in zijn onderbroek voor je neus tot leven komt, en dat je naar zijn gedachten luistert die in werkelijkheid de jouwe zijn. Verhaeghe nam een foto van zichzelf in onderbroek in dezelfde houding en gaf aan dat hij vooral naar een ervaring zocht.\u003c/p\u003e\u003cp\u003e\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003eDe vertaling ervan naar portretkunst en olieverf toonde de kracht van het medium om aftakeling en vergankelijkheid te tonen.\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003e“Daarna heb ik nog eens een dood konijn geschilderd”, merkt hij droogjes op. “De intensiteit waarmee ik dat portret maakte, was weg. “Ik begon te schilderen zonder dat ik daar hetzelfde bij voelde. Mijn werk ging ook steeds meer over mezelf en mijn ‘struggles’ met de schilderkunst”, zegt Verhaeghe terwijl hij me het werk \u003ci\u003eAfstand/Timing/Precisie\u003c/i\u003e (2015) toont, een lichtblauwe pyjama uit Nicky velours (cfr. de ‘sponzen broekjes’ voor kinderen uit de jaren zeventig en tachtig van vorige eeuw), met op de borststuk de afbeelding van drie gekleurde wimpels en op het kruis van de broek een geschilderde urinevlek. De pyjama aan een kapstok roept een kindertijd op die tegelijk onbekommerd vrolijk én dysfunctioneel (bedwateren) beangstigend was. Bij mij roept het \u003ci\u003eSmells like teen spirit\u003c/i\u003e van Nirvana op en vooral een zin uit het refrein ‘Here we are now, entertain us’, maar dat kan aan mijn affiniteit met bedwateren liggen.\u003c/p\u003e\u003cp\u003eVerhaeghe nam afstand van de schilderkunst en bleef er met 1 voet in. Hij startte een reeks van werken, die in abstractie, losgekoppeld van biografie, verder borduren op de analogie tussen verf en huid, verrimpelen, intimiteit, het droogproces van verf, craquelé en het stilleven als een fysieke sculptuur, die naast zwaarmoedigheid ook humor kan hebben.\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003eDe verfworstsculpturen waren aanvankelijk een middelvinger naar de schilderkunst maar leidden als reeks een eigen leven, werden opgenomen in de groepstentoonstelling \u003ci\u003eAmberes\u003c/i\u003e – Roberto Bolãnois Antwerpen (2019) in MHKA en later ook aangekocht in de stadscollectie (Sausage Series Installation). Na de eerste exemplaren bleef hij varkensdarm opvullen met verf, eerst acrylverf en later ook olieverf, die na twee à drie maanden drogen uit de worst lekte. Het droogproces en het uiteindelijke resultaat viel buiten zijn controle en analysevermogen; de worsten plooiden zich in bochten, verrimpelden en liepen wonderwel gelijk met enkele thema’s van de kunstenaar, die de verfworsten naar eigen zeggen ‘om een of andere manier maar bleef maken’.\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003e“Een half jaar geleden zei ik bij mezelf dat het tijd wordt dat ik stop met die worsten, maar het is nu dat ik ze in de trot moet blijven rammen.”\u003c/p\u003e\u003cp\u003eHet begon als een beeld uit zijn jeugd: zijn vader die een droge worst sneed op een snijplank bij zijn zus in Spanje, en alhoewel hij iets intiemer, iets kleiner nastreefde en dacht iets gevonden te hebben dat een analogie was met het uitdrogen van een mens, leidden de verfworstsculpturen een eigen leven en houden ze het midden tussen de adjectieven walgelijk, grotesk, aandoenlijk authentiek, verontwaardigd, dwaas en voor sommigen zelfs seksueel en macho. Terwijl het begin simpel was: de geur en het beeld van een droge worst katapulteerde hem opnieuw naar Spanje.\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003e“Voor een expo in het Rubenskasteel ging ik ze ruimtelijker inzetten en plaatse ik ze in droogrekken, zoals ik zag op de dijk in Oostende. Daar hadden ze ook van die houten rekken, of zoals de rookworsten bij de slager.”\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003e\u003ci\u003eRack III Rubens Red\u003c/i\u003e is een droogrek dat vol hangt met rode verfworsten, alludeert op het seriewerk in het atelier van de grootmeester, die veel werk liet uitvoeren. Het rode pigment, vermiljoen smokkelt het thema van de vergankelijkheid opnieuw in het werk. \u0026nbsp;Na een tijd oxideert het pigment en verkleurt het tot zwart (met witte vlekken); een aspect van vergankelijkheid dat de specialisten ter zake niet kunnen stopzetten, enkel kunnen vertragen. Zoals Verhaeghe zelf lijkt aan te geven loopt er een directe lijn naar Pop Art wanneer hij zegt: “ Ik zit in een anachronisme. Nu is er een boom van heel behapbare schilderkunst om boven de zetel te hangen. Ik maak precies werk van een kunstenaar uit de jaren zestig”, waarna hij toevoegt dat “dat soort van kunst is weg, maar het is gemakkelijk om aansluiting te vinden”, voegt hij eraan toe. “Maar ik voel daar heel snel een holheid bij en daar word ik zo ongelukkig van. Moet ik mezelf prostitueren? Het ligt echt bij mij.”\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003eOok al lijkt zijn atelier bijna een kleine worstenfabriek, ze gaven hem de wil om te schilderijen terug, en worden als kleurentoets, cartoonachtige objecten of stoorzender ingezet in ruimtelijk werk, waarin de jongensdroom om striptekenaar te worden, doorschemert. Dat multimediale aspect zat ook al in vroegere installaties en collages, zoals Feestvarken II (at the table) waar we een ham zien drogen aan een lint met kleurrijke feestwimpel of het doek Sisyphus uit 2015, een canvas waar Verhaeghe zich aan vastbond tijdens een masterclass op een oude industriesite en gedurende een week mee rondliep. Painting can be a drag, was het moto toen. De drijfveer was iets échter te maken dan een schilderij. Dit lijk een nogal ambitieuze en zware opdracht, die het kunstwerk probeert te verwezenlijken, door bijvoorbeeld een installatie als een drie-dimensioneel stilleven te zien dat tijdens haar poging echter dan het schilderij te zijn, een uitweg vindt in humor.\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003eTijdens een residentie in het Frans Masereel Centrum drukte hij katoenworstjes op prints van landschappen uit oude encyclopedieën en lijken de verschillende (vlucht)wegen, media en benaderingen samen te vallen.\u0026nbsp;\u003c/p\u003e"},{"locale":"fr","short_description":"\u003cp\u003eAvec une formation en philosophie, la pratique artistique de Mathieu Verhaeghe se situe dans le champ de tension entre l’art, le poids existentiel de la vie et l’humour.\u003c/p\u003e","description":"\u003cp\u003eMathieu Verhaeghe (1986) a d’abord étudié la philosophie à l’Université d’Anvers avant de commencer des études de peinture à l’Académie royale des Beaux-Arts.\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003e«\u0026nbsp;J’ai d'abord appartenu au monde de la philosophie, avec les \u003ci\u003eexistentiels\u003c/i\u003e, le structuralisme, Sartre, Heidegger et Foucault. J’ai plutôt un profil d'écrivain, mais je ne le suis jamais devenu. Je suis aussi un spectateur de mon travail et je suis, excusez-moi de le dire, en tant qu’artiste parfois passé entre les mailles du filet, ce qui fait que je ne suis pas très connu. Pendant mon enfance, j’ai toujours fréquenté l'académie de dessin. Je voulais devenir dessinateur de bandes dessinées.\u0026nbsp;»\u003c/p\u003e\u003cp\u003eÀ l’Académie, il a choisi la peinture et s’est découvert une passion pour la peinture classique et figurative. À partir de la troisième année de bachelier, les étudiants sont supposés réaliser des œuvres plus libres, ils peuvent réfléchir sur leurs préférences, par exemple se demander comment les peintres rejoignent automatiquement une partie de l’histoire de la peinture dès le deuxième trait de pinceau sur la toile et comment contourner, éviter ou justement embrasser cette impasse.\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003e«\u0026nbsp;Oui, c'était lors de ma dernière année de formation à l’Académie. Je me suis rendu compte progressivement que la peinture me correspondait de moins en moins et que je voulais vraiment sortir du processus de peinture... J'ai été à l’Académie avec une image plutôt naïve de la nature de l'art. Et j'ai choisi la peinture parce que, comme beaucoup d'autres, je me sentais très attiré par la peinture classique et figurative. Dans une académie, vous rencontrez des professeurs qui vous montrent des méthodes pour sortir du cadre, vous recevez des cours d’histoire de l’art et vous découvrez aussi toutes sortes de choses... La peinture a bien entendu une riche tradition et vous sentez son influence quand vous peignez, mais il peut aussi s'agir d'une sorte de boulet. Il y a eu une période où je ne savais pas très bien ce que je voulais faire avec toute cette peinture.\u0026nbsp;»\u003c/p\u003e\u003cp\u003e\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003eVerhaeghe a remarqué que ses œuvres étaient de plus en plus liées à sa personne et à son combat contre la peinture. Il a trouvé le début d'une réponse dans sa sphère familiale, son ménage et les objets du quotidien qui en font partie et dont les images se sont ancrées quelque part à l’intérieur car elles y ont trouvé leur place. Après la séparation de ses parents, il est resté vivre chez son père pendant son enfance. Celui-ci était beaucoup plus vieux que les autres pères de jeunes de son âge. «\u0026nbsp;Il va mourir vite\u0026nbsp;», a conclu le jeune Verhaeghe.\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003eÀ l’Académie, il a commencé à réaliser un portrait de profil de son père en caleçon qui ne regarde pas le peintre/spectateur, comme si le vieux monsieur était assis dans l'atelier de peinture et qu’il regardait l’extérieur ou un mur. Il venait de sortir de l’hôpital pour une rupture de l’estomac et avait une vilaine cicatrice sur son ventre. La taille de la peinture s'approche de la taille réelle. L’illusion du vieil homme qui se trouve devant vos yeux se brise seulement parce qu’il est soit rendu plus petit par le peintre, soit il se trouve plus en profondeur dans l’espace. Ce jeu de proximité et d'éloignement, d'accessibilité et d'inaccessibilité montre que l'artiste a minutieusement étudié la peinture classique d'un Vermeer par exemple et qu'il reproduit ce qu'il est et ce qu’il veut à ce moment dans les détails de manière équilibrée, sans briser le secret qui entoure la toile, pour que le spectateur ait l’illusion que le vieil homme représenté est véritablement vivant devant vous en caleçon et que vous écoutez ses pensées qui sont en réalité les vôtres. Verhaeghe a pris une photo de lui-même en caleçon dans la même position et a indiqué qu’il recherchait avant tout une expérience.\u003c/p\u003e\u003cp\u003e\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003eLa reproduction de celle-ci en art du portrait avec de la peinture à l’huile a montré toute la puissance du support pour illustrer la décrépitude et la fugacité.\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003e«\u0026nbsp;J’ai aussi peint un lapin mort plus tard\u0026nbsp;», dit-il sèchement. «\u0026nbsp;L’intensité avec laquelle j'ai réalisé ce portrait avait disparu.\u0026nbsp;» «\u0026nbsp;J’ai commencé à peindre sans ressentir les mêmes sentiments. Mon travail se concentrait de plus en plus sur moi-même et mes “problèmes” avec la peinture\u0026nbsp;», explique Verhaeghe pendant qu’il me montre l'œuvre \u003ci\u003eAfstand/Timing/Precisie\u003c/i\u003e [Distance/Timing/Précision] (2015), un pyjama bleu clair en velours Nicky (à savoir les «\u0026nbsp;pantalons éponges\u0026nbsp;» pour les enfants des années septante et quatre-vingts du siècle passé), avec sur le torse une image de trois drapeaux triangle colorés et une tache d'urine peinte au niveau de l’entrejambe du pantalon. Le pyjama sur un cintre rappelle l’époque de l’enfance marquée par l’insouciance et la joie, tout en étant dysfonctionnelle (incontinence nocturne) et angoissante. Cela me rappelle \u003ci\u003eSmells like teen spirit\u003c/i\u003e de Nirvana et surtout une phrase de son refrain «\u0026nbsp;\u003ci\u003eHere are we now, entertain us\u003c/i\u003e\u0026nbsp;», mais cela est peut-être dû à mon affinité pour l’incontinence nocturne.\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003eVerhaeghe a pris de la distance par rapport à la peinture, mais sans toutefois s’en affranchir complètement. Il a lancé une série d'œuvres qui dans l'abstraction, sont indépendantes d'une biographie, perpétuent l’analogie entre la peinture et la peau, la dégradation, l’intimité, le processus de séchage de la peinture, le craquelé et la nature morte comme sculpture physique, qui peut aussi avoir de l’humour en plus de la mélancolie.\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003eLes sculptures de saucisses de peinture étaient au début un doigt d’honneur adressé à la peinture, mais cette série a finalement fait son propre bout de chemin et a été reprise dans l’exposition collective \u003ci\u003eAmberes\u003c/i\u003e – Roberto Bolãnois Anvers (2019) au MHKA et vendue à la collection de la ville (Sausage Series Installation). Après les premiers exemplaires, il continuait de remplir un intestin de porc avec de la peinture, d'abord de l’acrylique et ensuite de la peinture à l’huile, qui sortait de la saucisse après deux à trois mois de séchage. Le processus de séchage et le résultat final ont dépassé son contrôle et ses capacités d'analyse\u0026nbsp;; les saucisses se sont pliées pour former des courbes, ont pourri et se sont accordées à merveille avec certains thèmes de l’artiste, qui selon ses propres dires «\u0026nbsp;a continué à créer des saucisses de peinture d'une manière ou d'une autre\u0026nbsp;».\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003e«\u0026nbsp;Il y a six mois, je me suis dit qu’il était temps d'arrêter avec ces saucisses, mais je dois maintenant continuer à les enfoncer dans le gosier\u0026nbsp;.\u0026nbsp;»\u003c/p\u003e\u003cp\u003eTout a commencé comme une image de sa jeunesse\u0026nbsp;: son père qui coupait une saucisse sèche sur une planche chez sa sœur en Espagne, et alors qu’il visait quelque chose de plus petit et intime et pensait avoir trouvé une analogie avec la décrépitude de l’homme, les sculptures de saucisses de peinture ont mené leur propre vie tout en trouvant un juste milieu entre les adjectifs dégoûtant, grotesque, authentique et émouvant, scandaleux, fou et pour certains même sexuel et macho. Alors que le début était simple\u0026nbsp;: l’odeur et l’image d'une saucisse sèche l’ont renvoyé à nouveau en Espagne.\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003e«\u0026nbsp;Pour une exposition dans le château de Rubens, j'allais les exposer de manière espacée et je les ai placées sur des séchoirs, comme ceux que j'ai vus sur la digue à Ostende. Ils avaient aussi ces étendoirs en bois, ou comme les saucisses fumées chez le boucher.\u0026nbsp;»\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003e\u003ci\u003eRack III Rubens Red\u003c/i\u003e est un étendoir qui est rempli de saucisses avec de la peinture rouge et qui fait référence au travail en série dans l'atelier du grand maître, qui a fait exécuter de nombreux travaux. Le pigment rouge, le vermillon intègre à nouveau le sujet de la fugacité dans l'œuvre.\u0026nbsp;Après un certain temps, le pigment s'oxyde et prend une couleur noire (avec de taches blanches)\u0026nbsp;; un aspect de fugacité que les spécialistes en la matière ne peuvent pas arrêter, ils peuvent seulement le retarder. Comme Verhaeghe semble lui-même l’avouer, il y a des points communs avec le Pop Art quand il déclare ceci\u0026nbsp;: «\u0026nbsp;Je me trouve dans un anachronisme. Il y a maintenant un arbre avec une peinture très gérable à accrocher au-dessus du siège. Je réalise précisément le travail d'un artiste des années soixante\u0026nbsp;». Il ajoute ensuite que «\u0026nbsp;ce type d'art est révolu, mais il est facile de trouver des connexions\u0026nbsp;». «\u0026nbsp;Mais je ressens rapidement un vide et cela m'attriste énormément. Est-ce que je dois me prostituer\u0026nbsp;? Je l’ai vraiment dans le sang.\u0026nbsp;»\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003eMême si son atelier ressemble presque à une petite usine de saucisses, elles lui ont redonné l’envie de peindre, et sont présentées comme une touche de couleur, des objets liés à la BD ou un brouilleur dans le travail spatial, par le biais desquels se reflète le rêve d’enfant de devenir dessinateur de bandes dessinées. Cet aspect multimédia se retrouve également dans des installations et des collages antérieurs, comme Feestvarken II (at the table) où il est possible de voir un jambon sécher à une corde avec une banderole de fête colorée ou la toile Sisyphus de 2015, une toile à laquelle Verhaeghe s’est attaché pendant une masterclass sur un ancien site industriel et dont il ne s’est pas séparé pendant une semaine. La peinture peut être une corvée, était la devise à ce moment. L’intention était de créer quelque chose de plus vrai qu’une peinture. Cela semble être une mission plutôt ambitieuse et compliquée que l'œuvre d'art essaie de réaliser, en considérant par exemple une installation comme une nature morte en trois dimensions qui, dans sa tentative de devenir quelque chose de plus vrai qu’une peinture, trouve une sortie de secours avec l'humour.\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\u003cp\u003ePendant une résidence dans le Frans Masereel Centrum, il appliquait des saucisses en coton sur des impressions de paysages issues d'anciennes encyclopédies et les différents médias, issues (de secours) et approches semblent converger.\u0026nbsp;\u003c/p\u003e"},{"locale":"ru","short_description":"","description":""},{"locale":"de","short_description":"","description":""},{"locale":"es","short_description":"","description":""},{"locale":"el","short_description":"","description":""}],"locations":[{"country":"BE","place":"Wilrijk","category":{"en":"Born in","nl":"Geboren in","fr":"Né à"}},{"country":"BE","place":"Antwerp","category":{"en":"Lives in","nl":"Leeft in","fr":"Vit à"}}]}